94年电影界诞生了很多经典之作，光我熟知的就有好几部，阳光灿烂的日子、活着、低俗小说、这个杀手不太冷、肖申克的救赎、阿甘正传，其他我没有看过的还有燃情岁月，狮子王，真实的谎言，红蓝白等，都是极经典的片子，时至今日还有很多人将这些影片翻来覆去的看，《看电影》杂志曾经做过一个专题，讲94电影的辉煌，涵盖全球的好电影，我看过那个专题之后对电影有了更浓厚的兴趣，之前我看电影都是消遣时间，现在看也是消遣时间，不过唯一的不同是现在有时候没有时间来消遣时也会腾出一些时间来作电影消遣。
　　
　　1。奥斯卡辉煌
　　
　　 阿甘正传当年和那么多出彩的片子同场竞技，却仍然一路高歌猛进，不仅一年时间里票房高踞榜首，而且奥斯卡颁奖典礼上力压肖申克的救赎和低俗小说压倒性的夺得六项奥斯卡金像奖，足以说明他在很多方面都具有明显的优势的。当年同台竞技的肖申克的救赎和低俗小说因为阿甘的出现而失意各个大奖，不能不说可惜，至今也还有很多的影迷在为这两部片子叫冤，甚至还有一些人说阿甘根本不配，失望而归的两部片子可惜那是事实，但是说阿甘不配，真的过了，怪只能怪这么多的经典好片汇聚在了一起，主角只有一个，配角的辉煌再耀眼也敌不过发挥出色的主角，所以，不必叫冤了，没有人否认94奥斯卡配角的光芒。
　　
　　 有人说肖申克监狱里的故事比甘更为深刻，昆丁比泽米吉斯更会在电影语言上做文章，是的，我也承认，Tim Robbin引领着我们一同挖掘了人性的黑暗和现实的残酷，低俗小说用一种别开生面的手法让我们沉浸在一个简单的故事中，看完肖申克你不会因为看了部好的片子而感到愉快，看完了昆丁带给我们的作品或许我们会愉快会感到享受的乐趣但是叫你细细品位的时候你说不出来所以然，太简单的故事，只不过用华丽的电影语言包装起来了，然后变得惟妙惟肖恰到好处的抓住了看电影的人的心理，但是我要说的是昆丁的作品不能给我们太多东西，饶有兴趣的解构他的电影并毫不吝啬的将溢美之词加之于他的人，更多的是电影评委或者专业的电影评论员把，我们作为普通大众，顶多看完了一阵酣畅淋漓，继而继续我们日复一日的生活，没有什么变化而以。但是我不是说昆丁的电影不够大师只是大师的领域不同而已，有些人的大师是文学的有些人的大师是电影的有些人的大师是生活的，昆丁？绝对是电影的！然而，电影不能仅仅是艺术的，不能仅仅是电影的，也不能仅仅是生活的。 在我看来，肖申克的救赎过于艺术了过于文学了，低俗小说过于电影过于技工了。虽然阿甘正传在深刻性和文学性上不及肖申克，在电影的技巧性构筑故事组织上不及低俗小说，但是他够生活，够综合，够意思，他不是电影人卖弄自己才华的工具。
　　
　　 看电影，有时候是一种单纯的娱乐有时候是希望能从中获取一些生活的道理，我更偏向于后者。
　　
　　 肖申克的救赎和阿甘正传同是能给我们的生活做一些指引的片子，当然任何片子的制作者和导演等都可以说他的片子同样是这样的，然而那根本不是其电影的重点，我甚至可以说一个强奸犯的故事可以教育我们要时刻警醒自己人的道德不知道什么时候会崩溃人的本性不知道什么情况下会像洪水猛兽一样的爆发。当年肖申克和阿甘在奥斯卡颁奖典礼上竞争各项大奖但是最终铩羽而归，毫无崭获，是因为题材的相似和阿甘的突出与顺应时势。
　　
　　 看完肖申克的救赎不会让你感到快乐，虽然影片最后给与我们的震撼是足够的，但是我们一方面为andy的20年坚守一个极其渺茫的希望感动，另一方面却无法从现实的黑暗和残酷中脱离出来，肖过于残酷过于现实过于让观众一下子从皮肤渗透到骨髓，那感觉，像当场抓住配偶与情人约会胡搞，虽然知道但是亲眼目睹的痛苦很不自在。一直沉闷压抑的调子，监狱里的单调生活让人有些眼球乏味，内心不爽，但是为了看到这么一个倔强向往阳光的银行家能一步一步走出黑暗，我们强忍心中的压抑，到最后一片阳光灿烂的时候瞬间爆发了一把也不足以将那股压抑挥散出去，这是影片的魅力所在也是他当年无缘小金人的原因之一吧。相比于肖的一路沉痛到底的执著，甘带给我们的感受显得很丰富多彩，真的是情感的全方位感受，同情，哀叹，感动，激励，欢快，忧伤。。。感情的变化足够让我们体验一回人生，甘的论调是欢快乐观的，我们看完会欢笑会有所思但是不至于像肖那样，看过一个评论，对这两个片子概括的很好：先后连续看甘和肖，感觉像是从天上掉到了地下。所以，更多的人愿意看阿甘而不是andy。
　　
　　 阿甘的天堂一样的感觉和肖的近乎地狱的感觉，阿甘的高踞票房和肖的不温不火，阿甘的艺术商业完美结合和肖的艺术文艺气息独占一面，让奥斯卡选择了阿甘正传，这无可厚非，奥斯卡本来就不是威尼斯金狮柏林金熊，它那尊小金人造型足够精致优美吸引眼球却难以扣住气质和艺术这两个词，所以阿甘不是艺术的确是精致的经典的，肖不是吸引眼球的却足够艺术和气质足够震撼人心的。一个小金人不完全代表什么，其实任何一个奖项都不代表什么，只有民众的口碑代表了一切，有人认同就已经很重要。
　　
　　2。垮掉的一代
　　
　　 《阿甘》是幽默诙谐的，有时候会让你忍俊不禁，《阿甘》也是严肃的，这种严肃贯穿整部片子，放在二战之后的二三十年的背景里，哪怕一部肥皂剧也要带点政治色彩，《阿甘》也不例外，这种对当时政治环境的描述，不管是正面的还是侧面的，都是严肃的表现，这也是他要重点表达的，虽然表达的方式没有一本正经而是稍微显得有些滑稽荒唐虽然没有很全面仔细的概述而是点到便过，但是却足以让我们在这几瞥之中看到当时的政治环境，也可以很好的理解影片中各种人物的行为方式了。几个政治事件用一个个片断演绎出来，然后像幻灯片似的放映，短暂而关键。总统被刺，总统辞职，禁止黑人入学，越南战争，反战游行……一个个片断让我们不断回忆美国战后几十年的历史，飞速发展，混乱动荡，垮掉的一代是我脑海中浮现的印象，正是垮掉的一代和我们没有垮掉的一代构成了阿甘正传的角色。
　　
　　 战后美国人民精神生活极度混乱，受困于战后的心灵创伤，加之当时杜鲁门主义和麦卡锡主义的盛行，打压国内进步力量，反共潮，国际上冷战，恐怖主义开始出现，人们终日惶惶不安，有些人消沉颓废粉饰太平有些人看不惯世道的虚伪荒唐奋起反抗和政府对着干，一切极端的生活方式都涌现出来，酗酒群居吸毒滥交等成为一种现象，这些人也失去了生活的目标和理想，上进心全无，史学家将这些战后出生的一代称为50年代垮掉的一代，也有叫迷茫的一代的，塞林格的《麦田里的守望者》描述的就是这群人的生活状态，那个戴着鸭舌帽整天穿着黑色风衣混迹在各地的小青年霍尔敦就是垮掉的一代的代表，但是霍尔敦比之另一些垮掉的一代已经算是上进有理想了，起码他还有个梦想他还想着要做麦田里的守望者，保护注视着天真可爱的小孩子们，起码他还不至于吸毒群居滥交，起码他还有一些羞愧之心，而另一些人，没有，没有理想，连什么是道德也不清楚了。 阿甘里没有正面描述这群人，但是很多片断都隐喻着对这种人群的描写和讽刺。
　　
　　 反叛和与众不同的猫王的风靡；整日无所事事骑着或开着破车以欺负弱势的gump为乐趣的一群小屁孩；jenny半裸着当着舍友的面欲给gump上一次性教育启蒙课；jenny全裸抱着吉他在夜总会卖唱民族歌曲时遭到台下听众调戏；john lennon的死于青年歌迷的枪下；jenny离开夜总会后四处漂泊结交不同的男友发出各种对抗社会的声音；jenny终日沉浸于吸毒酗酒性交与被虐的痛苦中想到远去的理想禁不住想要跳楼；一群失去了目标和理想的人傻傻的跟着gump天南海北的跑到gump说自己要回家休息时一脸迷茫……可以说，jenny就是阿甘里的霍尔敦了，她代表了他身后的一群人，和霍尔敦一样，jenny也有理想不过这个理想在现实中渐渐离他远去，最终是反叛和现实将她埋葬了，看到gump前去探望的jenny的坟地的时候，我想说这不是jenny一个人的墓地，下面有千千万万的人呢。
　　
　　3。巧克力生活
　　
　　 life was like a box o’chocolates. You never know what you gonna get ！
　　
　　 这句话已经被太多的评论提及。
　　
　　 关于生活，关于爱情，关于选择，可以说的太多了！
　　
　　 生活是需要智慧的，但是只有最好的智慧才能生活好，少一点也不行，少一点你会患得患失，看不清大局，看不清生活的真正内涵，少一点你可能还能看见一些细枝末节，生活的蛛丝马迹，但是却看不到最关键的部位，生活又是不需要智慧的，没有智慧的人能活得快乐能不顾失去的痛苦能忘却一切曾经或者即将困扰着有智慧的人的事，没有智慧的人脑袋里只有一条道，只要你愿意真的可以一条道走到底。智者千虑，必有一失，愚者不曾有千虑，仍可一得。
　　
　　 小波说过,”智慧本身就是好的，有一天我们都会死去，追求智慧的道路还会有人在走着，死掉以后的事情我看不到，但在我活着的时候，想到这件事，就很高兴。”但是追求智慧的过程中，我们看不到尽头，什么是智慧的尽头呢？古希腊的先哲们穷极一生也没有追寻到的答案，必定会困扰着无数追求者的内心。没有足够的智慧或许会在看不到希望的时候怀疑自己，悲天悯人惶惶不可终日，只有足够智慧的人才能了解，这不过是个探索的过程，或许，你可以不用追求这种所谓的智慧，这样也不会有困惑可言了。我将这个追求智慧的过程看成是生活的过程，或许不太准确，但是却是我的一些看法。在阿甘的眼里，如果不是妈妈告诉他不要让别人说出我比你聪明比你强大，他或许不会知道有聪明这个词，他或许甚至不会在向jenny求婚的时候黯然神伤的说出自己不够聪明的话，也不会在听到自己有了儿子后一脸的无奈恐惧战战兢兢的问道他足够聪明马的语句，当然他只是知道了自己没有足够的智慧，对于这个神圣的字眼，他是不了解的，他拿什么来了解呢？他也不用去了解，不知道所以不感兴趣不感兴趣所以不会追求，所以当有智慧的人在拼命追求更高的智慧的时候，他在走自己脑中的唯一一条道，上帝给什么我就吃什么，即使是苦的也心甘情愿，而有智慧的人们却在为显示自己的智慧不断的在上帝给的巧克力中挑来挑去，无论挑到什么，总是感觉不到已经在手的巧克力有多好。
　　
　　 因为不够智慧，阿甘是没有恐惧的，当妈妈患病在床临死说着“Death is just a part of life .Something we are all destined to do”的字句，甘只是傻傻的，默默的听着，死亡，在他看来，是那样正常，不仅仅是因为这是妈妈嘴里说出来的，也是生活的种种告诉他的，那个要和他合伙做虾船的captain buford就死在他身旁，他有为布巴伤心，可是在我看来，他的伤心不是因为死亡，却是因为没有实现自己的愿望，因为不情愿来到战场却死于意外，谁知道呢？如果布巴临死的时候不说我要回家而是说着，看，我要死了。或许甘也会理所当然的接受吧。所以甘是接受者，接受上天的一切。所以，恐惧根本不是恐惧，什么都是一样的。对他来说，给与什么，自己都是一个选择，run，run，run……

你知道世界上最长的电影有多长？10个小时？20个小时？不，是87个小时！
　
　　一、《治疗失眠》(Cure for insomnia)：87小时(5220分钟)，1987年的一部美国片，于1987年的1月31日到2月3日进行了全版本放映。影片的内容主要是一个人在那里朗读诗歌。(估计看这片子的确对失眠很有疗效~~据说当时的预告短片都有45分钟长！）
　　二、《世界上最长最没意义的电影》(Longest Most Meaningless Movie in the World)：48小时(2880分钟)，于1968年8月在伦敦艺术实验室上映。
　　
　　三、《愚公移山》(How Yukong Moved the Mountains)：763分钟，纪录片大师尤里斯•伊文思(Joris Ivens)上世纪70年代在中国拍摄的纪录片。
　　
　　四、《一个菲律宾家庭的进化》(Evolution of a Filipino Family)：643分钟(近11小时)。导演拉夫•迪亚兹(Lav　Diaz)用延伸时间的黑白镜头，静观一个家庭横跨十六年的变迁。
　　
　　五、《浩劫》(Shoah)：566分钟，克罗德•朗兹曼(Claude Lanzmann)拍摄的纪录片，内容是寻访与二战时犹太人屠杀事件相关的人物，从拍
摄到完成历时十三年，也是正式上映过的电影中最长的一部。
　　
　　六、《铁西区》：551分钟。中国王兵的纪录片。铁西区是沈阳的重工业企业的集中区，影片所纪录的是1999年到2001年之间，工厂逐渐走向停产关闭，计划经济体制模式逐步崩溃时人们的状态。
　　
　　七、《战争与和平》(War and Peace)：1968年的一部苏联电影，英国公映版本长度为511分钟，美国公映版时长缩减至373分钟。
　　
　　八、《帝国大厦》(Empire)：485分钟，安迪•沃霍(Andy Warhol)的纪录片，就是镜头一动不动对着帝国大厦拍了8个多小时。　
　
　　九、《睡觉》(Sleep)：321分钟，还是安迪•沃霍拍的，顾名思义就是拍个家伙睡觉。
　　
　　十、《1900》：318分钟，意大利著名导演贝尔托鲁奇(拍有《末代皇帝》等作品)1976年的作品，也是他最著名的作品之一。

在中国戏剧理论界，对“戏剧冲突”的理解有两种不同的观念，其一是赞同把戏剧冲突的内容看做是意志冲突，即人的意志与神秘力量和自然力量之间的冲突。其二是赞同把戏剧冲突的内容看做是性格冲突，认为只有由鲜明个性构成的矛盾关系才是冲突的实质。这两种不同的观念，曾经反复论争，未能统一。

戏剧冲突在作品中的表现方式是多种多样的。首先，可能表现为某一人物和其他人物之间的冲突，或称外部冲突。其次，可能表现为人物自身的内心冲突，或称内部冲突。第三，可能表现为人同自然环境或社会环境之间的冲突，把它加以戏剧化。有些剧本在表现主人公同社会环境的冲突时，往往把环境“人化”，即把它戏剧化为主人公与其他人物之间的冲突。如《哈姆雷特》中主人公面对的社会环境是一座“牢狱”，而克罗迪斯及其周围的朝臣恰恰是社会环境的人化。在另外一些剧作中，社会环境往往成为对人物发生影响的背景，给主人公造成一种外在的压迫感，像《琼斯皇帝》中准备造成的土人群众。在荒诞派戏剧中，有时又把社会环境“物化”，即化为具有象征性的道具，造成“场面直喻”的效果，像《椅子》中堆满舞台的椅子，《阿麦迪式脱身术》中那具无限膨胀的尸体等等。

什么是戏剧化

戏剧化是为了使不同的技艺互相融合，在艺术上达到和谐统一，戏曲表演要改变各种技艺原有的属性，以适应刻画人物性格和表现戏剧情节的需要，赋之以戏剧性的素质。无论是舞蹈，还是唱念都不过是剧情的一部分，因此它的音乐性、舞蹈性、节奏性是统一于戏剧性的。

就拿戏曲表演中的舞蹈来说，它与纯舞蹈不同，其不同在于舞蹈的抒情、造型和描绘的功能，统统必须服从戏剧性的要求。戏剧动作被夸张而舞蹈化，以符合音乐歌唱的韵律，且舞蹈的动作力求符合戏剧剧情的需要。这就是戏剧动作歌舞化、歌舞表演戏剧化。这样，就使得戏曲可以把细腻的抒情、严密的说理、情节的铺叙，激烈的交锋等等各种戏剧场面统统纳入音乐和舞蹈的世界。

戏剧化的音乐舞蹈，要求表现出人物的性格和特定情况下的感情。因为凡是戏，总是发生在一个特定的情况中间，戏曲表演不论是舞，是唱，都是在抒发剧中人物在特定情景下的思想感情。

黑色电影(Film noir )是法国影评家尼诺．法兰克在1946年因受黑色小说一词的启发而创造出来的用语，主要指好莱坞在1940与1950年代拍摄，以城市黑暗面为背景，描写犯罪与堕落世界的电影。所谓的黑色电影并非一种独立的电影类形，它可包涵传统的警匪片、西部片与喜剧片。

被归纳为黑色电影的主要特色是：场面给人以昏暗阴森、前途无望的感觉，采用德国表现主义的摄影风格，古怪的打灯方式与画面阴影造成来传达宿命无望的情绪，主人翁多是道德上的双重人格，充满失意与孤独，结局往往是在死亡中找归宿。因此黑色电影可以说是美国暴力题材与德国表现主义、存在主义思想的结合体。在1940年代进入兴盛期，1950年代中期后，观众渐渐减少。重要作品有约翰．休斯顿的《枭巢喋血战》(1941)，霍华．霍克斯的《夜长梦多》(1946)，奥森．威尔斯的《上海小姐》(1946)等。

西部片（Western ）是美国特有的一种电影类型，也被称作牛仔片。它与喜剧片相比较符号特征十分明显：那个可以看得到地平线的茫荒的原野，那个具有传奇色彩的牛仔形象和那个跃马驰骋持枪格斗的激 烈场面等等。内容大部份以19世纪后半期的美国历史为背景，尤其是美国移民拥向西部是这一类型最喜处理的题材。

1903年，埃德温·鲍特推出的《火车大劫案》，奠定了西部片的基本特点。从30年代末起，西部片建立起自己的经典格局：广阔而未经驯化的西部荒原成为人们自由和潜能的展示场所；绵延而来的大篷车队和英姿勃勃的骑警代表了文明对野蛮的进军；警察对歹徒的消灭和骑兵队对印第安人的驱逐则意味着秩序和文明的胜利。最引人注目的则可算那些枪法超群、骑术精湛的“牛仔”们。他们以除暴安良的侠举和独来独往的个人主义精神奠定了一种“社会秩序与个人自由并存”的标准的“美国神话”。

以扮演西部牛仔著称的明星有汤姆·米克斯、道格拉斯·范朋克、威廉·哈特、约翰·韦恩和约翰·福特等。约翰·福特成为导演后，拍摄了许多脍炙人口的西部片，如《铁骑》、《关山飞渡》、《阿巴基炮台》、《搜索者》等，被公认为是这一类型的大师。而《关山飞渡》被誉为“好莱坞叙事形式的典范”。代表作品：《原野奇侠》、《漂亮的杰斯特》、《红河》、《正午》、《虎豹小霸王》、《不可饶恕》。

西部片作为好莱坞电影特殊的类型片，其深层的符号和象征：是关于美国人开发西部的史诗般的神化，影片多取树干西部文学和民间传说，并将文学语 言的想象的幅度与电影画面的幻觉幅度结合起来。西部片的神化，并不是再现历史的真实写照，而是创造着一种理想的道德规范，去反映美国人的民族性格和精神倾 向。任何一种神化都是通过特定的戏剧性程式表现出来的。在西部片的神化中，我们看到的大多是善良的白人移民受到暴力的威胁，英勇的牛仔以及执法者除暴安 良，结果几乎总是群敌尽歼。而那个牛仔大多是外省人，他见义勇为，并在做完好事之后就走掉，常常是使人感到不知道他从什么地方面来，也不知道他将到什么地 方面去，像游牧民一样。在此之中，影片还要用一定的长度去表现，牛仔的邂逅，对纯洁的姑娘或女人一见钟情等等。

后来意大利也摄制一种类似的西部片，因意大利人喜食通心面条，被称为面条西部片。

歌舞片是指以歌舞为主的电影，也是电影最古老的类型之一。1927年，第一部有声电影《爵士歌王》问世。由于它是一部根据音乐剧改编的影片，故以歌舞为主。此后，各大公司纷纷仿效，相继推出了一系列的歌舞片。早期歌舞片多属轻松优美娱乐性强的舞台艺术片。歌舞片的故事情节比较简单，一般只起串连歌舞场面的作用。歌舞片有歌舞兼备的，也有侧重表现歌唱或舞蹈的。

歌舞片是纪录歌剧演出或根据歌剧改编的影片。多由歌唱演员担任主要角色。主要依靠歌唱刻画人物、展开情节。30年代在西方曾风行一时，中国大陆从50年代开始摄制歌剧片，较著名的有《白毛女》、《刘三姐》和《江姐》等。

提起美国歌舞片，恐怕人们首先想到的，还是好莱坞40年代布景华丽、歌舞纷呈的“梦幻王国”。那个时代的歌舞片以其成熟的类型、标准化的模式、多产的数量以及高品质的艺术水准，几乎成为了好莱坞巅峰时代的标志。

但是歌舞片在很长一段时间里变得沉寂了，人们开始怀疑：作为传统类型存在的歌舞片是否已经趋于没落？直到本世纪初，连续几部歌舞片的耀眼光芒让人们不得不重新审视这一类型的价值：2001年出品的《红磨坊》获得当年奥斯卡最佳影片提名，而且票房收入不俗；同年由丹麦著名导演拉斯特·冯·特里尔执导的，包括美国在内的11国合拍歌舞片《黑暗中的舞者》，一举赢得金棕榈大奖；而2003年的《芝加哥》最终赢得了奥斯卡的垂青，成为自1968年《奥利弗》以来，第一部赢得奥斯卡最佳影片的歌舞片。歌舞片在商业和口碑上的强劲势头让人们回想起它当年的风采，于是，有评论开始预示：歌舞片即将迎来它的“复兴”。当代歌舞片在对传统的继承之上，又注入了新的尝试和探索，使得这一片种呈现出全新的艺术风貌。分析歌舞片的当代形态，就有必要先回溯一下歌舞片发展的历史。

直到70年代进入新好莱坞，歌舞片才从百老汇那里重新找回了它电影的根基，并大胆引进现代主义的叙述策略，探索类型片试验的可能性，阿尔特曼的《纳西维尔》、马丁·斯库塞斯的《纽约.纽约》（1977），尤其是福西的《所有的爵士乐》（1979）是其中的代表。而80年代的《霹雳舞》、《热舞》等影片带动了青年人热衷的歌舞厅文化的风潮。

1． 活跳尸（Re-Animator）：制片人布里安.尤兹纳，导演斯图尔特.戈登。
2． 活跳尸（二）：导演布里安.尤兹纳。
3． 活魔人（From Beyond 1986）：导演布里安.尤兹纳。
4． 养鬼吃人（系列）：迄今已拍7集，以一、二、三集最有价值。一、二集导克里夫.贝克。
5． 群尸玩过界：导演彼得.杰克逊，这是他才华尽显的成功之作（他就是《魔戒3之王者归来》的导演）。
6． 德州链锯杀人狂（系列）：托比.胡伯的成功之作，该系列共四集，后三集具有一定价值。
7． 幽浮魔点：查克.拉塞尔的早期名作，1988年公映，对50年代旧作的翻拍。
8． 鬼驱人（系列）：托比.胡伯与斯匹尔伯格打造的名作。后又续出两集。
9． 美国人狼在伦敦：又称鬼追人、人狼咬哗鬼，人狼题材中的经典，悲剧。
10． 猛鬼街（系列）：名导韦斯.卡拉文的惊世之作，以一、二、三集最好，四、五、六、七集虽逊色，但绝对值得全部收齐。而且几个名导均涉入其中，该系列片成了他们在恐怖片领域的演军之所，如查克.拉塞尔（三集）、雷尼.哈林（四集）、史蒂芬.霍普金斯（五集）。
11． 黑色星期五（系列）:迄今共十集，该系列片仁者见仁，智者见智，毁誉参半。该片也译为《太凶杀人狂》。
12． 月光光心慌慌（系列）：迄今共八集，名导约翰.卡朋特是始作俑者。它潜移默化影响了一批以凶杀案为主题的恐怖片。
13． 闪灵：库导的大作，不收遗憾终生！！！！！
14． 梦幻杀人档案：克里夫.贝克风格的作品。
15． 驱魔人（系列）：共三集，第一集绝对经典！宗教色彩浓厚，二、三集价值不大。
16． 人狼（系列）：八十年代的人狼系列片，是人狼类恐怖片的全面教材之作。共六集。
17． 哗鬼番生（系列）：又叫灵魔翻生、生人回避。活死人题材的经典，比乔治.罗梅罗的僵尸电 影要活泼得多，共三集，一、二集强调特技，第三集由布里安.尤兹纳执导，特技+情感，还感动了不少人！
18． 差品味：彼得.杰克逊的作品。
19． 烈血海底城：属于变异生物类的恐怖片。第一滴血续集的导演乔治.卡斯梅托的作品。
20． 地狱之城：意大利导演Lucio Fulci之作，该导演特色有二：故事发生地总在外国，以美国居多；有刺激人消化道之作用！
21． The beyond:译名不详，前述导演的作品。
22． 僵尸（系列）：原名ZOMBIE,共四集。Lucio Fulci是始作俑者，第一集最为经典。
23． 丧尸出笼:乔治.罗梅罗的作品，此君的电影适合给Micheal Jackson作MTV背景用。 该片一度被奸商作为电影版的《生化危机》出售。
24． 死亡的黎明：乔治.罗梅罗的另一代表作。
25． 恶夜僵尸：乔治.罗梅罗僵尸电影的得意之作，1968、1990共拍了两次。
26． 天魔回魂：约翰.卡朋特的宗教类恐怖片，观众需要知道一些基督教内容，是一部在科学与宗教中作妥协的产物，符合八十年代的科学宗教之风。
27． 变种夜魔：克里夫.贝克的作品，名导大卫.克罗南伯格在片中饰一杀人犯。
28． 撒旦回归（系列）：共三集，也是宗教类恐怖片。
29． 鬼娃回魂：鬼娃新娘共四集。颇具特色，独树一帜，确立了一种以玩具为主角的恐怖片类型，开创了此类低成本片的先河，有一批追捧者。一、二集最好！尤其是第二集！特技+情节不错！
30. 恶魔玩具：鬼娃回魂的成功仿制品。
31． 突变第三型：80年代至今，是未知生物、外星生物（异形）的风摩期，约翰.卡朋特的这一作品较好地赶上这一潮流。
32． 穿梭猛鬼城（系列）：宗教类恐怖片。
33． 闯错鬼门关（系列）：即children of the corn,邪 教题材恐怖片。
34． 试管人魔：与“苍蝇”要反映的主题类似，人类永远不要充当上帝的角色，否则只能作孽！
35． 异形怪体：经典片，多次重拍，最近一次是1993年，导演斯图尔特.戈登。
36． 夜夜破胆：布里安.尤兹纳95年的宗教类恐怖片。
37． 魔鬼牙医（系列）：布里安.尤兹纳作品，心理扭曲的世界的真实反映，两集。
38． 夺命凶眼（系列）：大卫.克里罗南伯格开的头。共三集。
39． 食人族:属人类学题材的恐怖片，真实性不容置疑。另一部叫 Eaten Alive 也属于此类。
40． 蚂蚁帝国（食人蚁）：属于自然类或生物学类题材恐怖片，十分真实！
41． 惊异大魔茧（食人巨蚊）：生物学类题材的夸张，看起来像几亿年前一米多长的古蜻蜓。
42． 蛞蝓之灾：生物学类题材恐怖片。
43． 种子人魔：类似“异形怪体”。
44． 变种DNA（系列）：生物学类题材恐怖片的又一夸张之作。共三集。
45． 破茧天魔（系列）：共四集，韦斯.卡拉文始作俑。
46． 杀出个黎明（系列）：共三集，塔伦蒂诺的鬼才之作！酷到极点！
47． 夜半鬼敲门（系列）：共二集。史蒂芬.金的作品。
48． 舐血夜魔：史蒂芬.金的悲剧恐怖片，主题曲是ENYA的作品，回味无穷！！！
49． 丧尸特警：活死人题材的佳作。
50． 变形战士：擦“异形”边的仿制品，枪战场面不少。
51． 蛇妖：白面小生休.格兰特的作品，英伦风味重。
52． 从死亡归来（BACK FROM THE DEAD）:与《群尸玩过界》类似，绝对刺激视觉与心理防线！
53． 人玩鬼（系列）：又译《尸变》，影片中描述了尸体腐烂的千变万化，即恶心又恐怖。共三集。
54． 割人狂医：与“魔鬼牙医”一个类型。
55． 狂犬病：大卫.克罗南伯格的作品。
56． 变种血魔：布里安.尤兹纳的作品，生物类题材。
57． 恐怖南瓜头（系列）：美国地域式的恐怖片，共四集。
58． 曼哈顿的婴儿：Lucio Fulci的作品。
59． 守墓屋：Lucio Fulci的作品，意大利式僵尸。
60． 变种女郎：一部优秀的人狼题材作品。
61． 杀手的肖像（系列）：共二集。**杀人的真实描写！实在是杀人不眨眼！！！
62． 活死人的孩子：最新的活死人电影！
63． 血腥圣诞夜（系列）：又称超魔空间，邪 教题材恐怖片，共四集。
64． C、H、U、D（系列）：纽约地下生存的变异生物杀人的故事。
65． 蜘蛛岛：布里安.尤兹纳2001年的作品。
66． 食人巨鳄（系列）：共三集。自然类恐怖片。
67． 小强风暴：原称they nest ，自然类恐怖片。
68． 蝙蝠：自然类恐怖片。
69． 梯下亡魂：精神不正常的人离远些为妙！此片是警示。韦斯.卡拉文的作品。
70． 铁血人狼：另类人狼的作品。
71． 神鬼大反扑：韦斯.卡拉文的吸血鬼题材作品，不错！不拖泥带水。
72． 墓穴怪谈（系列）:该系列电影每一集均由二、三个独立小故事组成，题材广泛。其中有一集是施瓦辛格任导演。
73． 猛鼠食人城：生物变异的题材。
74． 猛鬼屋逐个捉：50年代老片重拍。泽梅基斯任制片人，可见此片重要性。
75． 鬼入侵（The Haunting）:与《猛鬼屋逐个捉》题材相同。音效优异。又称“鬼屋凶灵”。
76． 瘦到死：史蒂芬.金的作品。
77． 深海狂鲨：生物变异的题材。雷尼.哈林的作品。
78． 魔鬼医院：**医生用活人作试验的恐怖故事。
79． 看夜更：丹麦的一部冲入美国市场较为成功的恐怖片。
80． 魔女佳丽（系列）:共两集，人体特异功能式的恐怖片，复仇至上。
81． 血尸夜/恶夜之吻（黑夜临近）：比尔.派克斯顿演的一部僵尸类恐怖片，人物刻划得不错。
82． 隔离屋有鬼：80年代的片子，属于“小魔怪”式的恐怖片。
83． 我知道你去年夏天干了什么（系列）:两集。《月光光心慌慌》的追捧作。
84． 夺命狂呼(系列)：三集。又译《惊声尖叫》。第一集最好。
85． 猛鬼学校（大学舞会之夜）：四集。英文名：Prom Night 。80年代的作品，类似魔女佳丽。
86． 大白鲨：共四集。斯皮尔伯格始作俑。第一集不错，二、三也可。
87． 凶兆：共四集。类似大法师，宗教气氛弥漫。
88． 行尸女郎：Living Dead Girl。活死人题材。
89． 深海异形：自然类题材恐怖片。
90． 不可思议的勾魂事件：彼得.杰克逊到美国后的第一部作品，有些喜剧色彩。
91． 巫毒教：神秘邪 教使死人复活的题材。
92． 禁入魔镜(系列)：共三集。
93． 捉妖小天师：少年儿童也能驱除邪怪。影片里出现了弗兰肯斯坦、人狼、CHUD、木乃伊，吸血鬼等鬼怪。
94． 惊心食人族：另类宗教题材。
95． 口出狂言：约翰.卡朋特的作品。又称战悚黑洞。
96． 巨蛙：自然类题材。
97． 巨蛙镇：变异人统治未来的题材。
98． 凶雾杀机：复仇/复仇……卡朋特的作品。
99． X你老墓（系列）：两集。有点色情，妇女受害复仇，可以理解。
100． 追命传说（系列）：三集。自然+宗教类题材。

恐怖片horror movie

以恐怖情节和恐怖气氛贯串全片的影片。多以神鬼妖异与现实生活中的人发生纠葛的离奇怪诞情节结构故事，以刺激观众的恐怖感。早期曾在欧美各国盛行，内容多为神怪传说故事，也有以现实生活为依据的。30年代后的恐怖片出现严肃主题和哲理思想，如美国影片《化身博士》和中国影片《夜半歌声》以及40年代后期摄制的《十三号凶宅》等。

恐怖片现在发展的类型已经不是以特别恐怖的剧情来吸引观众的眼球。而是用直接的血浆和血腥来冲击观众的视线而达到畅快的杀戮和变态的感觉。而现在很大程度上恐怖的意味已经转移到惊悚片上去了

恐怖片实际上是最贴近电影艺术特性的样式。因为电影需要制造悬念，只有悬念才能使观众产生强烈的期待。希区柯克首先发现了悬念对于电影语言的决定性意义，他对蒙太奇等的电影语言的探索，影响深远。一些世界级电影大师，如库布里克、波兰斯基，对恐怖片情有独钟，都是想借助恐怖片这种样式，来探索和挑战电影语言的极限。
　 米兰．昆德拉在评论阿加莎．可里斯蒂德小说时说：“她真是有史以来最伟大的魔术师，因为她懂得如何把谋杀变成消遣……她的小说像是一个杀人集中营，里面有一条专为我们消遣的杀人生产线。”恐怖片中当然少不了这样的杀人生产线，但不管死了多少人，最应当死的，或者说最“希望”死的主人公总是逃脱了。恐怖片就此被消解，谋杀就此成为消遣。大家从电影营造的氛围中醒来，继续好好地活着。根据一项调查表明，人类的恐惧因素依次排序为：死亡、黑暗、孤独无助等等。很显然，这些恰恰都是恐怖电影的基本元素。电影圆了恐怖的噩梦，释放出观众内心深处的恐惧和焦虑，在满足人们好奇心的同时，又充当了一副安慰剂。正因为恐怖片具有其他片种无法替代的消遣功能，大批观众才对它趋之若鹜，它保证能让人安全地体验恐怖，安全地获得生命中需要承受的刺激。

在开始讲述恐怖片之前，当然有必要先明确一下它的定义，然而这个貌似简单的问题却是意想不到的麻烦，总不能说”恐怖片就是让人觉得恐怖的影片”吧?事实上，让人觉得害怕和惊慌也并非是恐怖片的专利。在许多其他类型的电影中，也会有不少让人肾上腺速激增、呼吸变得急促的段落。有一篇影评在说到《钢琴课》剁手指的那个场景时，都用了”深深的忧伤和恐惧”这样的字眼。这大概都是因为”恐怖”这个词本身的意义太过含混，似乎所有的负面情绪都能跟它牵扯上些瓜葛。究竟什么是恐怖？什么是它的核心意义，如果确实有的话？怎样才会引发人的恐惧呢？这些问题要待会儿再谈，定义恐怖和定义恐怖片无关。
　　不过好在和许多事情一样，我们虽然说不出恐怖片的定义，却总能一眼就看出那时不是一部恐怖片。为什么恐怖片不是一部悲情文艺片？因为恐怖片的情节主线总是包含着杀戮和生死搏斗。那么恐怖片又为什么不是动作片、枪战片、战争片之类的东西呢？关键在于双方的力量对比。在所有孤胆英雄的故事中，人多势众，貌似强大的反面势力最后总是被不可思议地摧枯拉朽般一扫而光。英雄的智慧和力量实际上占据着压倒性的优势。即使是象《终结者》这样敌人看上去更厉害些的电影，还是给观众双方大约势均力敌的感觉，更何况影片大肆渲染的是正义方的威猛和强劲。只有在恐怖片里，主人公是处于虚弱、无力的绝对劣势地位。值得注意的是，没有一部恐怖片的主人公是邪恶的、负面的，就算没有明确说明他（她）的正义，也总会有意无意表现他（她）优秀的、高尚的、或至少在一大帮变态中合乎常理的一面。所以理所当然对方就是邪恶、阴毒、变态的。因此，没有一种明确将冲突双方分为正邪两面的电影，会象恐怖片那样包含着”不可战胜的邪恶”这样的意念。（在灾难片中，肉体虽然会被消灭，但”人性的伟大”胜过自然。灾难对立面的最终指向不是寥寥几个主人公，而是全人类。）这也许就是阴郁、压抑和恐怖的来源。我们去看恐怖片绝不是为了看主人公最后是怎样逃出魔掌或反戈一击的，我们是想从一次次无助的死亡和主人公受尽折磨的绝望的逃脱过程中来体验大难临头的惊恐和不适。
　　我们为什么会喜欢痛苦呢？只是为了享受最终解脱的那一瞬间吗？决非如此。在死到临头的恐惧之中，在理性的完全失控之中，必定蕴藏着无可挽回的诱惑；它如同情欲一样深嵌在本能里，不可理喻。也许从来就没有一部真正的恐怖片，不管死了多少人，最应当死的，或者说我们最希望死的主人公总归是逃脱了。恐怖就此被消解，大家松了一口气，都继续好好活着。
　　除了不断死人和强大的邪恶两个最基本的特征之外，剩下的就是技巧了。恐怖片的各个亚类都无非是在正邪双方的身份、关系上搞些花样而已。按照各种不同的邪恶，大约可以做以下分类。
　　第一是连环杀手类。这是恐怖片的经典模式之一。著名的《万圣节》（《月光光心慌慌》）系列可以从1978年一直拍到1998年。《惊声尖叫》在一炮打响之后也一口气连拍了三集。实在是很佩服好莱坞能在影片的大致情节结构甚至场景选择上都形成了规律和套路之后，还是可以让观众一次又一次地捧场。把《万圣节》第五集和《惊声尖叫》相比较，任谁都可以看出两者的雷同之处。首先总是杀人魔大施淫威的一场戏，基本上独立于主线剧情之外。然后情节正式展开，而两部影片中女主人公在亲人是被过去的著名连环杀手杀害这一点上都一样。现在，凶手又再度复活。经过一番搏斗之后，杀手自己反被追杀的对象所杀。另外两片还有很多相似之处，比如都发生在高中校园里，牵涉到几对情侣，凶案的高潮都发生在一场派对上等等。最后，两片在镜头语言的运用上都如出一辙。以影片结尾处追杀者和被追杀者角色互换时的几个镜头为例：之前杀手绝不可能单独首先出现在一个场景里。镜头中只有惊恐茫然的主人公，面对着无法预知的局面，孤伶伶地身处在危机四伏的环境中。杀手则是计划明确，伺机而动，只在攻击时才出现在画面上。所以当杀手首先单独出现在镜头中时，便强烈地暗示出双方地位的改变。不知所措的杀手旋即被突然出现的主人公制服了。
　　这一切实际上都已成为某种惯例和定势，从而也就表明了它的不重要。应当说《惊声尖叫》还是有一点点新意的。比如片中不断出现的对连环杀手恐怖片的套路进行反讽的对白，比如把杀手变成两个人，比如让女主角的男友成为杀手。但不得不说这都是些小噱头而已。对于这样的恐怖片来说，情节的巧妙与否只是次要问题，关键是在表现凶杀过程及被害者面临死亡时的情绪的张力。观众就是要看一个拼命挣扎求生的人被活生生地杀死。生的愿望越是强烈，生的可能越是只有一步之遥，死的恐惧和痛苦就越是强烈，观众就越觉得刺激。从这个意义上说，影片开头与主体情节无涉的那一段才是验明正身的恐怖片的精髓。在每个人心中隐藏着的不可告人的黑暗与邪恶是恐怖片的本色。
　　第二是妖魔鬼怪类，不肖说这一类的最大特色就是做反派的不是人类。不管是妖怪、恶灵，还是什么恐怖的外太空生物都可以归到其中。大名鼎鼎的《异形》系列也许可以算是开创了”外星魔物”的先河吧。不过，《异形》本身似乎不大能算得上恐怖片。女兰博式的主人公显得太过强悍了些，也不怎么表现出对死亡的恐惧。在第三集里甚至是她自己跳进熔炉里以求同归于尽的。这就没有一点恐怖片的味道了。后来许多差不多类型的电影大都乏善可陈，一味以表现恶心的妖怪形象为目的。灵异题材的恐怖片近来也缺乏新鲜佳作，翻拍片倒是拍了不少。比如《鬼屋》的翻拍就有两个版本，还有《驱魔人》、《恶魔婴儿》等等。
　　妖魔鬼怪类的恐怖片由于邪恶方是属于现实和理智之外的东西，所以其套路和由之引发的恐怖感和由真人扮演反角的恐怖片大相径庭。此类影片最典型的场景是一个迷宫般的封闭处所：城堡、豪宅、旅馆、精神病院或是空无一人的太空飞船。幽闭的空间，无数扇门，昏黄的灯光和孤身一人。导演总是竭尽全力的把影片的场景变得超乎常理，怎么看都是一个噩梦。
　　幻觉也是必用的手法。一个简单的蒙太奇就可以让观众坠入银幕的梦境中。在有些影片中魔物干脆就不出现，一切惊恐都只来自于自身的幻觉。此时反面势力并不凝聚为一个确实的对象，而是变成象空气一样无处不在，变成以主人公为中心的整个充满恶意的环境。在用科幻背景改编、重拍的《幽灵船》中，主角们身处的整艘太空船被描绘成一个拥有恶魔意志的生命体。主人公们被幻觉控制，进而精神错乱，一个接一个的自蹈死地。这实际上是把正邪交战内化到人的精神意识里；不知名的、不可遏止的、邪恶的驱动自身毁灭的意念压倒了正常的、可理解的、本身的意念。发疯，就是理智的溃败，是不可战胜的邪恶意志击败了正常的神智。噩梦的恐怖，在于我们不能拒绝做噩梦，我们不可抗拒的要把自己置身在光线昏暗、房间无数的大屋子里。噩梦一次又一次的重复，难道是我们想要这样？恐怖的诱惑挥之不去。
　　在所有幽灵片中，《幽灵第六感》是一个异数，甚至是所有恐怖片中的一个异数。全片情节的主线不涉及杀戮（片首主人公被杀只是作为情节的引子和一个伏笔）更不用说对抗和搏斗。这不是一个阴沉的故事，结尾几乎是明朗的，原本是孤魂野鬼的主人公终于得到解脱上了天堂。片中的所有鬼魂都只是些外表吓人的可怜虫，没有一丁点恶毒倾向。影片唯一和恐怖片相符的地方就是它的镜头语言和血腥的造型。可以说导演是在用恐怖片的手法来叙述一个非恐怖的故事，所以影片绝没有任何忧郁、压抑的色彩。只有一次次视听刺激带来的惊竦而已。导演利用了人们认为鬼魂可怕的心理定势，同时又在颠覆这个定势。恐怖的根基已被抽去，至少就传统意义上来说，《灵异第六感》已经很难算是一部纯粹的恐怖片了。
　　除去连环杀手和幽灵鬼怪，接下来的一类就得算是精神变态者了。这一类的恐怖片和第一类的区别主要表现字故事模式上。影片中的人物较少，关系也不复杂，情景集中，没有多余的事件和场景。片中情节的重要性，以及对人物刻划的深度都要超过前两者。
　　个中经典当属奥斯卡获奖影片《危情泪》（又名《危情十日》）。一个爱情小说作家发生车祸，在失去神志的时候被一名住在郊外的中年独身女人所”救”。（从后来发生的事情来看实在很难用”救”这个词。）而这名妇女正是这位作家的系列小说的狂热爱好者。恰好作家身边又带着小说最后一部的手稿。他已对这个系列感到厌倦，打算让主人公死去，从而终结小说。当这名妇女看过了手稿之后，恐怖就开始了。她强迫作家改变结局，让故事向着她希望的方向发展。在这期间，她用种种手段虐待逼迫那名作家。在发现他企图逃走之后还击碎了他的脚踝。最后作家利用她对小说的变态心理设计将其击毙。
　　影片的设计十分巧妙，片中没有出现过什么夸张可怕的造型，也没有像很多恐怖片那样，用突如其来的强音配合画面来考验观众的神经。它的恐怖之处隐藏在情节和气氛的突变中。开始时，那名妇女以慈眉善目的形象出现，但却毫无预兆的成了恶魔。相信所有观众都会对那个电闪雷鸣的雨夜，她突如其来出现在作家房门口的镜头印象深刻。她的表情变得冷酷而残忍，显示出她那已泯灭了人性的偏执的内心。气氛的落差给予观众以有力的震撼。一个叙述平稳、开端平淡的故事，突然急转直下进入了夸张、非理智、不现实的情景中，而猛烈的转变又在逻辑上让人觉得合情合理，观众由此被导向亦真亦幻、虚实不定的心理，从而融入银幕中的可怕世界。
　　由于这一类恐怖片最接近现实主义的表现手法，因此有可能容纳和揭露一些社会问题，以此来获得所谓”有意义”的主题。朱莉亚˙罗伯茈早年曾拍过一部名叫《与敌共眠》的影片。大意是她所扮演角色的丈夫是个有洁癖的虐待狂，她一直忍受着丈夫变态的所谓”爱情”。后来，她借帆船失事之机逃走，开始了新的生活、结交了新的男友。不料丈夫辗转查到她的下落，尾随而至。经过一番搏斗，她打死了他变态的丈夫。影片出彩的地方是将丈夫不正常的洁癖与他非人性的一面相结合，使之成为他的标记，让齐刷刷的药瓶和挂地一丝不苟的毛巾变成邪恶降临的预兆。不过这样的影片由于在营造恐怖的目的之外还掺入了杂质–揭露社会问题的主题，所以在恐怖方面都不会太成功。
　　事实上，我们可以看到，无论哪一类恐怖片，其营造恐怖的根源都是一样的–压抑、阴暗、宣扬恶的胜利–是恐怖片的共同特征。不同的恐怖片只不过因反派角色的不同，而在具体手法的侧重点上有所不同：有的沉迷于被杀人物的心理细节的表现；有的擅长虚幻场景的营造；还有的则在真实与噩梦的交叉转换上大做文章。
　　关于恐怖片，还有许多本文尚未触及的话题，比如一些”边缘”恐怖片，如《七宗罪》、《沉默的羔羊》之类。它们的意蕴和结构的复杂程度已超过了一般的恐怖片，所追求的已不再是生理上和潜意识层次上的恐怖感，而是更多的倾向于复杂意象所带来的思维上的乐趣。再如，日本恐怖片，如果将之与欧美恐怖片在主题和表现手法上作些比较，相信一定是一件很有意思的事情。

喜剧片是电影中充满智慧和活力，永远受到观众喜爱的片种。喜剧表演又是最需要演员的气质和敏感，是最难于把握的表演技巧。大家都知道，让人开怀大笑比让人哭要难得多；让人在笑声中感到机智和深沉，苦涩和辛酸就更难。翻开电影史的目录，在查利·卓别林，麦克，塞纳特，勃斯特·基顿这些喜剧天才之后，优秀的喜剧片太少了，中国电影的一大缺陷就是缺少幽默感和高品位的喜剧影片。喜剧片可以更细地划分为：喜剧、轻喜剧、悲喜剧和正剧中的幽默成分。现在对喜剧的研究是很不够的，我们只能把有关喜剧的论述简要概括地做些介绍：

1．喜剧的本质喜剧艺术是通过笑来起作用的。笑主要是表达喜悦和满意的情感。然而笑的性质也是最为多种多样的，笑可以是愉快的，也可以是抑郁的、含泪的。笑可以是善意的或愤怒的，聪明的或愚蠢的，勉强的或诚恳的，骄傲的或谄媚的，鄙夷的或惊慌的，侮辱性的或赞许性的，横蛮的或胆怯的，友好的或敌对的，讥讽的或淳朴的，尖酸的或天真的，温存的或粗暴的，意味深长的或莫名其妙的，无耻的或羞涩的。这份清单还可以一而再地扩大下去：快乐的笑、悲惨的笑、神经质的笑、歇斯底里的笑、情欲的笑、兽性的笑；还有凄凉的笑、寂寞的笑……笑的声调也是不计其数的，在唇边依稀掠过或者在眼角倏然闪过的微笑，直到震耳欲聋的、流泪、捧腹、痉挛同时发生的哈哈大笑。在笑中所表示的和因笑而产生的人们的相互关系是各式各样的。讥笑、嘲弄、奚落、开玩笑、取笑、相对而笑、互相嘲笑。

最常见的，也是最有意思的，是人跟人在一起笑。笑是有感染性的。笑会因为笑的人数增多而加强。那么，是什么引起笑声，使人发笑的呢?亚里士多德在《诗学》里说：“可笑的东西，是并不招致痛苦和危害的某种丑怪的东西。”西塞罗的《论演讲家》中说：“：可笑的东西总合有某种丑的，畸形的东西在内。”’车尔尼雪夫斯基：“丑便是喜剧性东西的起点和本质。”另外的说法是：笑多半是由不协调引起的。“只有不具危险性的，即不导至痛苦的不协调才能引人发笑”。“捷克的波德斯卡尔斯基说：喜剧借助于愚蠢来表现理智”。德国的斯提登·杜多夫说：“发现缺点，这是笑的根源，也是喜剧性的根源。”“如果被描写的人物身上的缺点也正是当时社会的缺点的话，对这二者的嘲笑便得到了统一，这时喜剧便也达到了美的程度。这种笑是最深刻、最持久的，不管你愿意不愿意，你会笑出来”。

“写一出喜剧，意味着举行一次审判，不管是对人还是对社会情况，而笑是最后的和最高的审判。”西德的思斯特·伊洛思说：“喜剧性的基础是一种由于结局与假设正好相反而产生的对比效果。产生这种效果的先决条件是我们内心深处对事件抱有一种超然的态度。”亚里士多德还说过：“可笑的东西产生于无害的悖理现”。看来，用一个简括的定义来包罗极其多样的具体的喜剧性现像是十分困难的。另外，喜剧和幽默的另一个突出的特点是它们永远是具有迫切的现实性和现代性。因为幽默是一种

社会范畴，包含着对该社会和该时代断面的活动家们所固有的恶习、弊病和反常现像的暗示，嘲讽和辛辣揭露。现代讽刺作家只需要提一笔就能明白的东西，对另一代人说来都是不明不白的，它们往往需要注释。而不能在刹那间引起反应的幽默是没有生命的。(如：1992年3月25日《文摘周报》上的一则“生活笑话”：“先生，不瞒你说，我是跑单帮的生意人，哪里看得懂洋文书！我身上带着很多钱，现在路上社会治安情况不佳，所以我装出知识分子的样子。现在，人人知道知识分子是穷的，没有油水可捞我带了一本洋文书，就是为了图得一个一路平安罢了。”

2．喜剧的技巧“人本身是造成喜剧性的主体。因此，在电影里，人的表演是造成喜剧效果的重要的、最常用的手段。”“首创性因素是非常重要的，同样一个笑话(笑料)很少能第二次使人发笑。”“基顿的独到之处，是他的表演艺术寓严肃于滑稽之中，他坚信幽默是一件非常严肃的事。”他说：“我在幼年时便明白，只要我一笑，观众就不笑了。”–汤·达迪斯。卓别林：“再没有比表演过火更能立即扼杀笑声的了。”“节制是句至理明言。”“能用一件事引起哄堂大笑，要比用两件事好得多。”